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Das Paar ist sehr international, Florian Dutch und Jing Chinese, und wie sie erklären, wenn sie über die Philosophie sprechen, die ihre Arbeit inspiriert, lieben sie es, im wahrsten Sinne des Wortes mit verschiedenen Kulturen und Ländern in Verbindung zu treten. Wie von einem kosmopolitischen und weltoffenen Architekturbüro ohne geographische Grenzen erwartet, haben die beiden, ein Paar im Leben und im Beruf, Projekte geschaffen, die sich von Nordamerika, Asien bis nach Europa ausdehnen und als gemeinsamen Nenner das persönliche Engagement und die Leidenschaft bezeugen, die sie animieren und dazu führen, eine authentische Interaktion mit der Umwelt und der Gemeinschaft zu erreichen. Der Raum wird nicht nur in seiner physischen Beschaffenheit analysiert, sondern auch in seinen Auswirkungen auf die historischen und sozialen Folgen bewertet, wobei auch die Zukunftsperspektiven berücksichtigt werden.

Das Davis Museum of Art, das erste Museum für zeitgenössische Kunst für die Universität und die Stadt Davis, ist ein besonders signifikantes Beispiel dafür, was die beiden Architekten unter einem kontextuellen Ansatz verstehen. Ein weißes großes Vordach bedeckt das Gebäude, das den großen Bereich des Eingangs mit einer zarten, nach hinten abfallenden, einladenden Umarmung bedeckt. Es handelt sich um eine Erweiterung von 50.000 Quadratmetern, vielleicht das markanteste Merkmal des Komplexes, der aus speziell angefertigten, perforierten, dreieckigen Aluminiumträgern besteht, ein Ergebnis von hoher Ingenieurs- und Handwerkskunst. Das sich wiederholende Muster aus aneinander grenzenden Abschnitten, die sich in einer homogenen Einheitlichkeit diversifiziert zeigen, dehnt sich mit einer krummlinigen und harmonischen Fluidität entlang der gesamten Dachfläche aus und belebt die darunter liegenden Teile dank des Wechsels von Licht und Schatten, die durch die Durchlässigkeit der perforierten Textur projiziert werden. Von oben betrachtet suggeriert die Abfolge der Segmente das geometrische Mosaik der umliegenden landwirtschaftlichen Felder, unterstreicht aber auch die Dynamik der Struktur, die die intensive Tätigkeit der Institution begleitet und akzentuiert, die sich nicht nur Ausstellungen, sondern auch verschiedenen künstlerischen Programmen widmet. Ein weiteres Detail, die komplizierte Assemblage, die durch eine experimentelle Spitzenforschung erzielt wurde, scheint mit großem Nachdruck das äußerst lebendige und innovative Umfeld zu erzählen. Eine Bühne, auf der sich mehrere Veranstaltungen abwechseln, offen für Studenten und Publikum, die auf wirklich unkonventionelle Weise interagieren und Kunst machen können. Nach der Intervention hat der Komplex die Grenzen zwischen der institutionellen und der städtischen Sphäre verwischt und präsentiert sich als ein öffentlicher, für alle zugänglicher Knotenpunkt. Die in den anspielungsreichen Noten des Daches vorgeschlagene Porosität spiegelt diese neue Konnotation wider.

Jan Shrem and Maria Manetti Shrem Museum of Art, 2016, Davis Museum of Art. SO - IL + Bohlin Cywinski Jackson. Photo Iwan Baan /courtesy of SO - IL

Während der Laufbahn der beiden kam es zu anderen Situationen, in denen ein relevantes Problem durch einen stark von der Vergangenheit geprägten Kontext konstituiert wurde und eine Übereinstimmung gefunden werden musste. Die Kukje Gallery in Seoul, ein Kunstzentrum für Ausstellungen koreanischer und internationaler Künstler, das als eines der interessantesten in der aktuellen Kunstszene gilt, steht vor einer schwer zu vereinbarenden Dichotomie: der formalen Forderung nach einem zeitgenössischen, möglichst minimalistischen und essentiellen Container und der Notwendigkeit, sich an ein historisches Stadtgefüge anzupassen. Eine Dualität, die aufgelöst wird, indem die strenge Kargheit eines White Cube, die sich sonst in Disharmonie mit den alten gepflasterten Straßen und den traditionellen Hanok-Häusern offenbaren würde, mit einer unmerklichen Beschichtung aus einem Metallgewebe umhüllt wird. Die Drapierung des Schleiers, eine Geste, die im Einklang mit den geschwungenen umgebenden Dachlinien steht, verleiht Kontinuität und mildert die Starrheit der Linien und Konturen, die durch Licht und Reflexionen belebt werden. Das Geflecht, eine Verkettung einer unglaublichen Anzahl von Ringen, vollständig von Hand gefertigt, wird lokal bearbeitet, und diese Wahl findet eine echte Synergie zwischen einer handwerklichen Vergangenheit und einer auf rechnergestützten Prozessen basierenden Gegenwart. Das Netz wurde mit Unterstützung von Ingenieuren am Computer studiert und lokalen Handwerkern anvertraut, die es mit von Generationen überlieferter Technik realisiert haben. Ein wahres Fest eines volkstümlichen Erbes, das die Prodrome seiner Vorfahren nicht vergisst. 

Kukje Gallery in Seoul, South Koreal. SO - IL. Photo: Iwan Baan /courtesy of SO-IL.

SO-IL lehnt die neuesten und ausgeklügeltsten Techniken nicht ab, sondern arbeitet eng mit Ingenieuren zusammen und nutzt die BIM-Modellierung, um die Materialeffizienz zu maximieren oder die Arbeitskosten zu senken und eine schnellere Synchronisierung des Design-Konstruktionsteams zu gewährleisten, und besteht darauf, traditionelle Methoden zu vertiefen und zu übernehmen, die nicht verschwinden dürfen. Die Galerie demonstriert gut die emblematische Kraft dieser Kontinuität, indem sie die bedeutendsten künstlerischen Zeugnisse der Avantgarde beherbergt und sich mit so viel Ehrfurcht vor einer Vergangenheit verhält. Die von der Vergangenheit durchdrungene Gegenwart überlässt ihr Wesen der Zukunft und gewährleistet die Vermittlung jener Werte, die allen ein Zugehörigkeitsgefühl garantieren. Diese fast ungreifbaren Hüllen, die beide Projekte charakterisieren, als eine Aura, die von den Gebäuden ausgeht, sind für SO-IL eine liebevolle Möglichkeit, Emotionen und Vibrationen zu vermitteln. 

Die Installation "Blueprint", die die Fassade der Storefront for Art and Architecture in New York eng in weißes Plastik gehüllt sieht, unterscheidet sich nicht von dieser Form der Sprache und vermittelt mit ihrer makellosen, skulpturalen Stille etwas Unausgesprochenes und doch sehr Kraftvolles. Mit der so genannten Mottentechnik, mit der Dinge vorübergehend eingemottet werden, wollten Liu und Idenburg eine Pause schaffen und die Passanten dazu anregen, darüber nachzudenken, wie sie die durch große geometrische Drehtüren gekennzeichnete Galerie im Herzen des Winters offen halten können. Die Intervention löste mit ihrer scheinbaren Unbeweglichkeit eine ebenso beredte wie unerwartete Reaktion aus, die den beiden Autoren eine noch größere Befriedigung verschaffte: Am nächsten Tag fand man die gesamte Hülle mit Graffiti besprüht, "belebt" mit einer Reaktion, die viele Kreative gerne provoziert hätten. Der Akt, auf eine Spraydose zurückgegriffen zu haben, um farbige Zeichen auf der weißen Leinwand eines Kunstzentrums zu hinterlassen, erscheint als eine ebenso künstlerische Provokation, was den Wunsch nahe legt, eine vollständige Einhaltung des Projekts zu betonen.

‘Blueprint' Installation at Storefront for Art and Architecture in New York. SO - IL. Photo Iwan Baan /courtesy SO-IL. 

Die Installation als eine Form von begrenzter Dauer wird dem Anspruch der beiden Architekten voll und ganz gerecht: Die Arbeit an temporären Projekten hilft ihnen, wie sie behaupten, schnelle Antworten auf Ideen und Bedingungen zu finden und gleichzeitig anzubieten, die sie faszinieren. Der Umsetzungsprozess ist sehr straff und sicherlich nicht mit der Langsamkeit vergleichbar, die mit der Welt der Architektur verbunden ist. Die Erzählung, abstrakt und stark allegorisch, verlockt beide. Durch die Verwendung dieser Art von Ausdruck, der in gewisser Weise universell ist, können sie zu den Herzen der Menschen sprechen, und indem sie mit einer bewussten Zweideutigkeit spielen, die nicht absichtlich eine Position zwischen implizit und explizit einnimmt, wird jeder die Möglichkeit haben, die Gegenwart vor sich zu lesen und zu interpretieren, je nach seiner eigenen emotionalen Beteiligung und seinem kulturellen Hintergrund.

In Anerkennung ihrer kreativen Ader und ihrer schönen Szenografie organisierte das MAAT, das Museum für Architektur und Technologie in Lissabon, in diesem Jahr die Ausstellung "Currents- Temporary Architectures", die 12 ihrer spektakulären Errungenschaften gewidmet ist. Der "Pole Dance", sicherlich erwähnenswert wegen seines Elan, voller Lebendigkeit und Farbe, der vom Wall Street Journal als “ein Spaßprojekt für ein ernsthaftes Paar” definiert wurde, brachte ihnen den Sieg beim jährlichen Wettbewerb des MoMA PS1 Young Architects Program 2010 in New York ein. Ein Gitter aus flexiblen und schwingenden Stangen, die oben durch ein elastisches Netz zusammengehalten werden und im Außenhof des PS.1 Contemporary Art Center aufgestellt sind, lädt die Menschen dazu ein, barfuß zwischen einer Reihe überdimensionaler pastellfarbener Bälle zu springen und zu hüpfen. Die äußerst partizipatorische Umgebung wurde als Spiel vorgeschlagen, um das Gleichgewicht des vernetzten Systems aufrechtzuerhalten. "Eine Phantasie des Fischnetz-Kommunitarismus;", die sich über den attraktiven und dynamischen energetischen Rahmen hinaus auf dringende Probleme der "Nachhaltigkeit", sowohl geopolitischer als auch existentieller Art, konzentrieren und ein Bewusstsein für das Gleichgewicht eines vernetzten Systems schaffen wollte, das sich auf menschliche Handlungen und Umweltfaktoren in Verbindung mit den atmosphärischen Phänomenen stützt. 

'Pole Dance' Installation in the courtyard of PS.1 Contemporary Art Center in New York. SO - IL. Photo Iwan Baan /courtesy of SO-IL. 

Die hypnotisierende Natur dieser Installation war wirklich fesselnd, die perfekte chromatische Synchronität der lebhaften und intensiven Farbtöne, verbunden mit einer unbändigen Vorstellungskraft und dem Auftritt der amerikanischen Meister des Pole Dance, erzeugte eine einhellige, kollektive emotionale Reaktion. Eine Choreographie von solcher Frische und Anmut, dass sie, vielleicht für viele Enthusiasten, die Botschaft in den Hintergrund treten lässt. Die Inspiration spielt auf die Aufführungen des Theaters von Oskar Schlemmer an, einem deutschen Bauhauskünstler, dessen als "Fest der Form und Farbe" definiertes Werk mit strengen geometrischen Kostümen und einer Szenographie experimentierte, die sich auf der Bühne mit der Bewegung der Körper des Schauspielers verwandelte und transformierte.

Es gibt viele andere äußerst originelle Ideen, die spielerische Interaktionen ins Leben rufen, bei denen die Teilnehmer die Freiheit haben, das Ende zu bestimmen. Chengdu wurde im Jahr 2011 gewählt. Einer Stadt, die das dramatische, rasante urbane Wachstum in China repräsentierte. Hier hoben sie das ernste, weit verbreitete Phänomen hervor, indem sie eine spielerische Erzählung, "Pollination", mit einer bezaubernden Ästhetik konzipierten. Die "Spieler", die eingeladen waren, ein Fahrrad zu mieten, hatten "Samenbomben" zur Verfügung, kleine grüne und blaue Luftballons mit symbolischen "Samen" von hypothetischen zukünftigen Pflanzen und einem Wasserbecken, und mussten diese nach Belieben an verschiedenen Stellen des berühmten Platzes, der Gartenstadt, abwerfen, mit einer gewissen Ironie gegenüber dem vollständig mit Beton gepflasterten Platz. Eine digitale Karte kontrollierte und aktualisierte den wachsenden Park entsprechend der Vorstellungskraft und Beteiligung der Gemeinschaft, ein Versuch, die Bürger verantwortungsbewusster und stärker in die Ereignisse ihrer Stadt einzubeziehen.


‘Pollination’ 2011, Chengdu Biennale in China. SO - IL. Photo courtesy of SO-IL. 

In einem Szenario, das die Märchenwelt eines Waldes heraufbeschwört und gleichzeitig bittere Warnungen anspricht, wandern vier seltsam anmutende Anwesen, die von Kopf bis Fuß mit großen durchsichtigen Anzügen bedeckt sind, zwischen den Pflanzen umher. Ein katalysierender Moment, der das Publikum mit seiner charismatischen Kraft zu faszinieren vermag. In Szene gesetzt ist die unerwartete und brillante Darstellung von "L'air Pour l'air", eine Synergie zwischen visuellen Klang- und Umwelteffekten, die mit dem Beitrag der Künstlerin Ana Prvački und einem Stück der Komponistin Veronica Krausas anlässlich der Ausgabe 2017 der Architekturbiennale Chicago geschaffen wurde. Die Zusammenarbeit mit "Arbeitern" aus den verschiedensten Bereichen ist ein wesentlicher Bestandteil, der bei den Realisierungen von SO-IL häufig wiederholt wird und zu der starken Anziehungskraft beiträgt, die von der Performance ausgeht.


'L'air Pour l'air' in Garfield Park Conservatory, Chicago Architecture Biennial 2017. SO - IL with Ana Prvački, Veronika Krausas & Chicago Sinfonietta. Photo Laurian Ghinitoiu / courtesy of SO-IL. 

Die Installation konzentrierte sich auf die wachsende Besorgnis über die Luftqualität und die Auswirkungen der Umweltverschmutzung auf unser Leben und wählt als Hintergrund das üppige Grüns des Garfield Park Conservatory. Die Schauspieler, jeder mit einem Blasinstrument, bilden ein Quartett, das auf dieser pflanzlichen Bühne spielt und tanzt. Sie sind in weiße Stoffe einfüllt, die um ihren Körper geformt sind, um gerade genug Luft zum Spielen ihrer Instrumente zu haben. Weiß hat in seiner Reinheit die Kraft, im analogen Gegensatz dazu die ernste Gefahr der atmosphärischen Bedingungen in unseren Städten hervorzuheben, denen wir jeden Tag ausgesetzt sind, so wie die Musik, die aus den Stoffhäuten hervortritt, die Bedeutung des Atmens verstärkt, indem sie die Luft in Klangschwingungen verwandelt. Die Effekte und Reflexionen des PVC-Netzes, die durch die Art der Schneiderei und die Bewegungen unter dem Tageslicht verursacht werden, verstärken die Verführung der Darbietung. Eine phantasievolle Wahl und eine äußerst poetische Art, eine alarmierende Botschaft zu übersetzen.


'Breathe', Mini Living, Milan Design Week 2017. SO - IL. Photo Laurian Ghinitoiu / courtesy of SO-IL. 

Um mit einer Vision für die Zukunft zu schließen, kann ich ihren Vorschlag eines neuen Haustyps erwähnen, der eng an einen natürlichen Kontext gebunden ist. Im Stadtviertel Tortona, einem Ort, der den neuen Grenzen des Designs und der Kreativität gewidmet ist, wurde anlässlich der Mailänder Designwoche 2017 auf einer ungenutzten Fläche von 50 Quadratmetern ein Wohnungsprototyp geschaffen, der einer möglichen neuen Art des Lebens entspricht. "Breathe" entwickelt sich, den durch seinen Namen suggerierten Eigenschaften folgend, als eine Art organische Formation, mit Affinität zu einem Nest, das entlang der Vertikalität einer Stützmauer wächst und schließlich unter den Dächern in direktem Kontakt mit dem offenen Himmel sein Ziel erreicht. Eingehüllt in ein weißes, flexibles und halbtransparentes Netz aus selbstreinigendem Stoff, recycelbar und wiederverwendbar, mit luftreinigenden Eigenschaften, ein wiederkehrendes Element im Repertoire von SO-IL, kann eine dreiköpfige Familie die Umgebung erleben, indem sie die atmosphärischen Variationen betrachtet und nachts das Mondlicht auf dem kleinen Dachgarten einwirken lässt. Das von Pflanzen bewachsene Haus empfängt die Gäste am Eingang in einer geselligen großen offenen Küche, die vollständig durch eine Wendeltreppe verbunden ist, welche die drei oberen Stockwerke verbindet, die sowohl der Entspannung als auch der Arbeit gewidmet sind. Alles wurde so konzipiert, dass es sich positiv auf unterschiedliche Klimabedingungen auswirkt und den Bedürfnissen jedes Mikroklimas im Raum gerecht wird. Es lässt sich leicht demontieren und umgestalten und bietet eine unerforschte Erfahrung des Nomadenlebens. 

Virginia Cucchi

Credits: 

SO-IL 

http://so-il.org/

Jan Shrem and Maria Manetti Shrem Museum of Art, 2016
University of California, Davis
Team: Florian Idenburg, Ilias Papageorgiou, Jing Liu, Danny Duong, Seunghyun Kang, Nile Greenberg, Pietro Pagliaro, Andre Herrero, Madelyn Ringo, Jacopo Lugli, Kevin Lamyuktseung, Alvaro Gomez-Selles Ferndandez
Collaboration with Associate Architect: Bohlin Cywinski Jackson
Photographs: Iwan Baan /courtesy of SO-IL

Kukje Gallery- K3, 2012
Seoul, South Koera
Team: Florian Idenburg, Jing Liu, Ilias Papageorgiou, Iannis Kandyliaris, Cheon-Kang Park, Sooran Kim, Seunghyun Kang
Photographs: Iwan Baan /courtesy of SO-IL

Blueprint 2015
Storefront for Art and Architecture, New York, USA
Team: Florian Idenburg, Jing Liu, Max Hart Nibbrig
Collaborators: Sebastiaan Bremer

Pole Dance 2010
MoMA PS1 Young Architects Program Competition, MoMA PS1, New York, USA
Team: Ted Baab, Florian Idenburg, Iannis Kandyliaris, Daniel Kidd, Eric Lane, Jing Liu, Ryan Madson, Kenzo Nakakoji, Ilias Papageorgiou, Cheon-Kang Park, Liz Shearer
Photographs: Iwan Baan /courtesy of SO-IL

Pollination 2011
Chengdu Biennale, Chengdu, China
Team: Florian Idenburg, Jing Liu, Iannis Kandyliaris, Ted Baab, Nicole Passarella
Photographs: courtesy of SO-IL

L'air pour l'air, 2017
Chicago Architecture Biennial, Chicago, USA
Team: Florian Idenburg, Jing Liu, Ilias Papageorgiou, Seunghyun Kang, Anna Margit, Diandra Rendradjaja, Yan Ma, Qionglu Lei, Sophie Nichols
Collaboration with Ana Prvački, Veronika Krausas, Chicago Sinfonietta
Photographs: Iwan Baan, Laurian Ghinitoiu /courtesy of SO-IL

Breathe, 2017
Mini Living, Milan, Italy 
Team: Florian Idenburg, Jing Liu, Ilias Papageorgiou, Ian Ollivier, Pietro Pagliaro, Isabel Sarasa, Iason Houssein, Alvaro Gomez-Selles-Fernandez
Photographs: Laurian Ghinitoiu /courtesy of SO-IL