Biennale Architettura 2018, Shorefront for Art and Architecture,
Carla Juaçaba ist eine Architektin, die darauf abzielt, die partizipatorische Vorstellungskraft ihres Publikums zu provozieren und zu nähren, durch eine reiche Synthese von Provokationen, die sich in der Wesentlichkeit ihrer Interventionen ausdrückt. Das Konzept, das ihr Design beseelt, entspringt der Überzeugung, dass Unvollständigkeit eine unerschöpfliche Inspirationsquelle bietet, der es gelingt, sich ständig zu erneuern, und dass das Abstrakte hilft, das Unsichtbare sichtbar zu machen.
Die Konferenz der Vereinten Nationen für nachhaltige Entwicklung hat die Stadt Rio de Janeiro als Austragungsort für 2012 gewählt. Die Aufgabe, den temporären Container zu entwerfen, der den Mega-Gipfel beherbergen soll, wird einer jungen brasilianischen Architektin anvertraut. Mit einer einfachen, aber äußerst kühnen Geste hat sich Carla Juaçaba mit nur 34 Jahren die Aufmerksamkeit der Welt gesichert. Es ist eine wichtige Chance, und sie wird beweisen, dass sie sie mit der Leichtigkeit und dem Geschick eines Vollblutprofis zu meistern weiß. Sie ging mit einer Freundin, Bia Lessa, Regisseurin und Theaterdirektorin, zur besagten Stelle für eine Ortbesichtigung und um gemeinsam zu entscheiden, wie sie den Vorschlag realisieren wollten. Sie wollten mit Unmittelbarkeit und Konsequenz eine dringliche und dabei involvierende Botschaft vermitteln, so dass sich jeder direkt für eine mögliche Veränderung verantwortlich fühlt. Sie entschieden, dass die gestapelten Gerüstsockel die gesamte Struktur ausmachen könnten und das Element der Struktur sein würden. Diese wären ein perfektes Element, um einem Programm, das durch grünere und gerechtere Ziele die ‘The Future We Want’ sicherstellen soll, die richtige Stimme zu geben.
Das Ergebnis ist ein erhöhter Laufsteg, der die Besucher mit einem Spaziergang von über einem Kilometer entlang der Landzunge des Forts von Copacabana empfängt, das auf zwei der legendären Strände Brasiliens hinausragt, und gleichzeitig einen Blick auf die rasante, dichte Urbanisierung des Stadtzentrums bietet.
Das verwendete Material bietet nicht nur eine beispielhafte Lektion in Sachen Nachhaltigkeit, sondern erfüllt auch die zweite Anforderung, nämlich die Sensibilisierung der Besucher. Die vor Ort beschafften Eisenrohrmodule verlassen ohne aufwendigen Transport und ohne Eingriffe in das Gelände ihre ursprüngliche, traditionelle Funktion als Stütze, um sich in ein Gebäude zu verwandeln und in Zukunft an andere Projektanforderungen anzupassen. Zusätzlich zu diesem perfekten Beispiel für Kreislaufwirtschaft setzen sie das Publikum physisch ‘dem Licht, der Wärme, dem Regen, den Geräuschen der Wellen und des Windes’ aus, so dass jeder sich nicht nur visuell, sondern auch emotional mit einer natürlichen Umgebung konfrontiert fühlt, die sowohl faszinieren als auch verstören kann. Der direkte Kontakt, ohne schützende Filter, mit mächtigen Naturkräften schärft das Gefühl der Zerbrechlichkeit und kann dazu führen, dass man sich einer Realität ausgeliefert fühlt, die nicht leicht zu handhaben ist, wenn man sie nicht respektiert.
Mit Stolz unterstreicht Carla, dass “der Pavillon nicht auf ein Bild der Zukunft anspielt, sondern ein Beweis dafür ist, was materiell und ökologisch in der Gegenwart möglich ist”. Der Bezug zur lokalen Situation impliziert, dass sich Nachhaltigkeit nur auf einen bestimmten geografischen und sozialen Kontext beziehen kann. Humanidade, der Titel, den sie ihrer Schöpfung gegeben hat, wiederholt das Konzept und verstärkt und betont seinen globalen Wert, inmitten der wehenden Flaggen aller Nationen der Welt, die die lange Platte schmücken, die in Rampen unterteilt und an einigen Stellen mit Sperrholzplatten verkleidet ist, um einige Räume für Ausstellungen und Konferenzräume abzugrenzen. Das komplexe Geflecht schafft eine charismatische Präsenz, einen riesigen Quader, der in seiner Dreidimensionalität perfekt lesbar ist, eine Verherrlichung von 'Offenheit ohne Diskriminierung’ und eine zeitgenössische Einladung, frei von Rhetorik, zur Interaktivität. Ausgezeichnet für seine große Originalität und für die Entschlossenheit, mit der ein so mutiger und anspruchsvoller Vorschlag angegangen und umgesetzt wurde, wird er diese Vorrechte mit besonderer Kohärenz wahren, mit Aussagen, die von maximaler Linearität geprägt sind, einer scheinbaren Einfachheit, voll von vielfältigen Bedeutungen und Referenzen.
Bei der Präsentation ihrer Arbeit bezieht sie sich oft auf das Theater, da sie die Architektur als dieser künstlerischen Disziplin sehr ähnlich ansieht. Beide betrachten, wie Aldo Rossi sagt, ein Ereignis, ob es nun stattfindet oder nicht. “Ich habe immer bekräftigt” schreibt Rossi“dass Orte stärker sind als Menschen, die festgelegte Szene ist stärker als das Ereignis. Ich vergleiche das alles mit dem Theater, und die Leute sind wie Schauspieler, wenn die Theaterlichter an sind, sie verwickeln dich in eine Geschichte, der du vielleicht fremd bist”. Architekten bauen den szenischen Raum und Künstler beleben ihn durch die Inszenierung und Darstellung des Dramas des Lebens. So wie das Theater ohne die Beziehung zwischen Schauspieler und Zuschauer nicht existieren kann, eine Beziehung, die Carla vor allem in einem ‘armen Theater’ untersucht, das durch die Eliminierung von allem Überflüssigen vorgeht, um sich auf den vollen Ausdruck des Geistes zu konzentrieren, so leben ihre Kreationen, eine Synthese des Wesentlichen, inspiriert durch die Abstraktion, dank der emotionalen Beteiligung und der subjektiven Interpretationen derer, die sich ihnen nähern.
Die Bekanntheit des Rio+20-Projekts wird dafür sorgen, dass sie zu einem prestigeträchtigen, begehrten Termin eingeladen wird. Auf der Architekturbiennale in Venedig ist sie 2018 mit zwei Entwürfen vertreten. ‘Ballast’, wird ihre Antwort auf ‘Freespace’ sein: eine Reihe von prototypischen Bänken, große Betonblöcke, die in einer totemhaften, vertikalen Schieflage zusammengebaut und durch lange Seile als Sitzfläche verbunden sind. Ein Moment der Ruhe auf dem anstrengenden Weg der Giardini, eine Komposition, die hinter der elementaren Erscheinung eine Studie und einen komplexen Umsetzungsprozess verbirgt und die, wie bei Carla üblich, zwei wichtige Referenzen zitiert, die mit der venezianischen Tradition verbunden sind: die Seile der Marine, die einst in der Corderie dell’Arsenale hergestellt wurden, und die riesigen Zementblöcke, die zum Schutz des Meeres verwendet wurden.
Bei dieser Gelegenheit wird auch zum ersten Mal der Vatikan teilnehmen, mit der Initiative, einen Pavillon des Heiligen Stuhls einzurichten, der der Obhut von Prof. Francesco Dal Co anvertraut ist. Die Wahl ist auf eine abgelegene und äußerst suggestive Ecke der Insel San Giorgio Maggiore gefallen, ein Gebiet, das sich über etwa anderthalb Hektar erstreckt und mitten in der Lagune zwischen Wasser, Himmel und Erde liegt. Der ‘Wald’ der Stiftung Cini, mit der evokativen Kraft seines metaphorischen Wertes, eine starke Erinnerung an das ständige Umherwandern auf der Suche nach sich selbst, ist für die Umrahmung von 10 Kapellen bestimmt und lädt ebensoviele international renommierte Architekten ein, Bezugspunkte und Treffpunkte entlang des Weges dieses Labyrinths zu schaffen.
Es ist Gunnar Asplunds kleine ‘Kapelle im Wald’, die 1920 für den Stockholmer Friedhof gebaut wurde und in den Worten ihres Autors als "Ort der Orientierung, der Begegnung und der Meditation, scheinbar durch Zufall oder durch Naturgewalten in einem ausgedehnten Wald geformt, gesehen als die physische Suggestion des labyrinthischen Fortschritts des Lebens” definiert wird, die die Richtungen des Projekts und die grundlegende Funktion der Architektur inspiriert. Letztendlich bilden die 10 in der natürlichen Umgebung verstreuten Präsenzen einen sehr eklektischen Rundgang, der frei von kanonischen Schemata einen Dialog zwischen Kultur und Gesellschaft, zwischen Natur und Architektur anstrebt und von einer Spiritualität spricht, die nicht unbedingt an ein religiöses Bekenntnis gebunden ist.
Carla ist es - zwischen Architekten vom Kaliber eines Eduardo Souto de Moura und Norman Foster - gelungen, mit einem ebenso ikonischen wie minimalistischen Eingriff das allgemeine Interesse zu wecken. Vier lange, schlanke verchromte Stahlträger fassen die beiden wichtigsten Momente christlicher Spiritualität symbolisch zusammen. Sie kreuzen sich, um ein Kreuz und eine Bank zu bilden: die erste streckt sich mit einem starken Impuls nach oben, in einer offensichtlichen asketischen Sehnsucht nach Ewigkeit, während die zweite, die auf sieben Betonplatten ruht, die den Boden markieren, die Gemeinschaft einlädt und sich im Sinne der Zeitlichkeit ausdrückt. Beide Spiegelflächen verweisen auf die Abwechslung einer irdischen Existenz und erinnern an das Bedürfnis nach Transzendenz. Das Zeichen, das eine ikonographische Konnotation annimmt, wird in seiner Reinheit erzählt. Sie erscheint und verschwindet im Spiel mit der Dichotomie von Körperlichkeit und Immaterialität: In dieser Symbolik findet sie ihr wahres Wesen.
Einmal mehr bestätigt sich die Neigung zu einer Architektur, die in der Lage ist, Handlungsstränge zu weben, eine Architektur, die sich eines sehr prägnanten Idioms und ausdrucksstarker Formen bedient, die aber durch die Beiträge anderer Stimmen, des Publikums, das die Bühne bevölkert, die Erzählungen erneuert und immer wieder mit einer neuen Nuance aufwartet, die nicht erfasst wurde und uns entgangen war. Selbst die Tradition findet ihre Autorität dank einer Lesart, der ihre höchsten Werte hervorhebt, und dank des Mutes derer, die sie nicht verleugnen, sondern in Ausbrüchen von Pantheismus und Impulsen, die die Säkularität überschreiten, wieder vorschlagen. Die reine geometrische Form, isoliert auf einer Lichtung, umgeben und geschützt von Bäumen, eine Situation, die kontemplative Momente nährt, trägt zu einer Atmosphäre von starker Lyrik bei.
Es gibt gegensätzliche Eigenschaften, die, obwohl sie unvereinbar scheinen, in Carla Juaçabas Werken koexistieren und unerwartete Ergebnisse hervorbringen: alle Werke, von den gewagtesten bis zu den scheinbar weniger provokativen, sind das Produkt ihres großen Pragmatismus und verbergen komplexe technische Konstruktionsprozesse. Neben der akribischen Aufmerksamkeit für kleinste Details überraschen sie mit sehr poetischen Akzenten, die nichts mit der starren Gelassenheit zu tun haben, die sie auszeichnet. Pragmatismus und Poesie, Schwere und Leichtigkeit ergänzen sich, und auch wenn die Kreationen im Boden verankert sind, schafft es das Licht oft, sie zu Abstraktionen zu verklären und die Essenz, die ihre Seele ist, hervorzuheben. Das ist es, was der Schatten auf dem Kreuz und der Edelstahlbank bewirkt, indem er sie in bestimmten Momenten aus unserem Blickfeld verschwinden lässt, sie mit ihrem natürlichen Kontext assimiliert und sie der Ewigkeit überantwortet.
Wenn wir über diese offene Architektur sprechen, die offenbart und nicht versteckt, wie Carla es vorzieht, mit Referenzen, die jeden aktiv mitwirken und zu einem Teilnehmer an einem gemeinsamen öffentlichen Leben machen können, gibt es eine besonders explizite Installation, die mit absoluter Originalität eine antithetische Architektur als offene Verurteilung anspricht, die im Dienst des politischen Willens steht und als Propagandawerkzeug benutzt wird, um die Menschen zu beruhigen und mit ihrer Solidität und Erhabenheit an eine Zukunft des Wachstums und des Fortschritts glauben zu lassen. Unter Bezugnahme auf das Oscar Niemeyer übertragene monumentale Werk der Planung und der zivilen Bauten für die neue Hauptstadt Brasiliens, Brasilia, die sich als Emblem der sozialen, politischen und wirtschaftlichen Entwicklung aufdrängen sollte, konzipierte sie ein Projekt, das die explizite politische Agenda, die durch die Gebäude interpretiert wurde, offenlegen sollte. ‘Ministerium für alle’ ist der Titel, der sich mit bitterer, scharfer Ironie auf den ehrgeizigen zentralen Verwaltungsbezirk bezieht, den neuen Sitz der Nation, eine Reihe von gleich siebzehn kolossalen Regierungsgebäuden, die die zentrale Allee, die monumentale Achse der Stadt, flankieren und mit ihren imposanten formalen Strukturen ein Gefühl von Stabilität suggerieren, trotz des ständigen Wandels und ununterbrochenen Wechsels der Verwaltungen, den sie verbergen. Mit einer Intervention, die einmal mehr durch ihre einfache, starke Symbolkraft überrascht, die es schafft, eine wahre Komplexität zu vermitteln. Gezeigt in der legendären New Yorker Galerie Storefront for Art and Architecture, einem Bezugspunkt in der globalen Kulturszene, bekannt für die Förderung aufstrebender kreativer Talente, entfernt Carla die Betonplatten der ikonischen Drehtüren der berühmten, von Steven Holl und dem Künstler Vito Acconci entworfenen Fassade und stellt sie im Innenraum aus, wobei die Teile, aus denen sie bestehen, an der Straßenfront sichtbar bleiben. Die für den Bau verwendeten Materialien wie Sperrholzwände, Isolierschaum, Risse, Schmutzspuren und Graffiti bleiben zu sehen. Die Funktion der Verschönerung und Maskierung wurde eliminiert und bietet dem Besucher eine Lesart der beiden Ordnungen, der äußeren und der inneren, der öffentlichen und der privaten, in einer umgekehrten Reihenfolge gegenüber derjenigen, die üblicherweise mit der Starrheit der Gewohnheit beobachtet wird. Die Absicht dieser Subversion der Rollen ist offensichtlich: Es sollte mehr Kohärenz zwischen der Art und Weise, wie die Räume genutzt werden, und den offiziell erklärten Absichten geben. Übertriebene architektonische Theatralik erhöht nur ihre Anfälligkeit.
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