25-05-2021

WIR SPIELEN MIT SPIEGELN

Dream The Combine,

James Harnois, Ryan Muir, Andrew Latrielle, Clayton Hackwith,

Installations, Mirrors,

Der Trick ist natürlich, die Grenze unter der Bedingung der konstanten Auferlegung der Grenze zu verweigern” - Fred Moten



<strong>WIR SPIELEN MIT SPIEGELN</strong>
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Der Spiegel hat eine wahrhaft verführerische Kraft, die uns auf einer Wahrnehmungsebene mit der desorientierenden Wirkung der Mehrdeutigkeit gefangen nimmt. Sie ist in der Lage, die sie umgebende Realität mit dem Anspruch auf Wahrhaftigkeit neu zu inszenieren, schafft Verbindungen der Kontinuität und schafft es, uns in diese vermeintliche Realität zu verwickeln. Wir finden uns unwillkürlich in einer Welt wieder, die keine Entsprechung zu derjenigen hat, die die meisten unserer Überzeugungen und Glaubensvorstellungen unterstützt hat. Und nach und nach spüren wir, wie bestimmte Paradigmen, derer wir uns nicht mehr so sicher fühlen, nach denen wir uns früher verhalten und entschieden haben, bröckeln. Wir finden uns ziemlich entwaffnet und verwirrt und wir fühlen die Dringlichkeit, Orthodoxien zu überdenken, die jahrelang bestimmte Positionen unterstützt haben und uns nicht so frei handeln lassen, wie wir dachten. Es ist an der Zeit, eine Vergangenheit neu zu bewerten, die vielleicht nicht, wie wir gehofft hatten, unter dem Banner wahrer Selbstbestimmung gelebt wurde, sondern durch schwere Konditionierungen getrübt war, die wir nicht einmal gespürt haben.
 
Von kultureller Konditionierung hören wir schon lange, aber leider scheint es, als seien wir immer noch Sklaven dieser Konditionierung: Schon Mitte des fünften Jahrhunderts v. Chr. sprach Herodot darüber. Der ’Vater der Geschichte’, wie er bezeichnet wurde, ein Mann meiner Meinung nach von außerordentlicher Aktualität, hat uns eine Lektion erteilt, die viele Verhaltensweisen hätte vermeiden sollen, die immer noch einer vermeintlich umfassenden Offenheit gegenüber der Globalität schaden. Indem er für den Wert des ‘Relativismus’ eintrat, weigerte er sich, die griechische Tradition als die einzige anzuerkennen, die es wert war, berücksichtigt zu werden. Indem er bekräftigte, dass jedes Volk seine eigene Tradition und Kultur hat, zeigte er schon vor vielen Jahrhunderten, dass es keine absolut besten Bräuche geben kann, weil jeder Mensch immer die besten Bräuche finden wird, die er in der Umgebung, in der er aufgewachsen ist, angenommen und assimiliert hat. Und in seinen ‘Historien’ berichtet er eine Anekdote, die dieses Konzept exemplarisch verdeutlicht: "Während seiner Herrschaft rief Darius die in seinem Gefolge anwesenden Griechen zu sich und fragte sie, für welchen Reichtum sie es akzeptieren würden, ihre toten Väter zu essen: die Griechen antworteten, dass sie es um keinen Preis tun würden. Darius rief dann die Inder, die Kallaten – die ihre Eltern essen –, in Anwesenheit der Griechen, die durch einen Dolmetscher verstanden, was gesagt wurde, und bat sie im Austausch für welche Reichtümer sie akzeptieren würden, ihre toten Väter mit Feuer zu verbrennen. Die Kallaten forderten Darius unter lautem Geschrei auf, keine gottlosen Worte zu sprechen”, Historien, III, 38, 3.
 

'Lure'. MadArt Studio, South Lake Union, Seattle. Dream The Combine. Foto von James Harnois/ Courtesy of Dream The Combine.

Vielleicht sollten wir öfter, mit größerer Aufmerksamkeit oder zumindest mit weniger blinder Unterwürfigkeit gegenüber bereits etablierten paradigmatischen Modellen, die verschiedenen Perspektiven, die uns eine reflektierte, dekonstruierte Realität bietet, objektiv beobachten, Fehler, Übertreibungen und Ausschlüsse herauslesen, um zu versuchen, sie zu rekonstruieren, indem wir modifizieren, was schrill hervortritt und was unser Gewissen nicht teilt. Das ist es, was ein paar junge Leute für die Architektur tun, indem sie gegen starre Formeln ankämpfen, die einen Beruf entwerten, der im Dienste aller stehen sollte, indem sie einen authentischen relationalen Austausch suchen, der Hierarchien und Bestrafungen vermeidet. Als Autoren verschiedener Installationen haben sie oft den Spiegel benutzt und mit den visuellen Unsicherheiten gespielt, die dieses effektive Kommunikationsmittel provoziert, um eine von Vorurteilen belastete Sicht auf die Welt und die Gesellschaft zu hinterfragen. Indem sie die Dispositionen und Neigungen der Spiegelflächen nutzen, aktivieren sie dialektische Situationen, die, indem sie mehrfache Lesarten eines Kontextes ermöglichen, einen Blick auf Veränderungen und neue Möglichkeiten erlauben. Die Projekte skizzieren und realisieren Wege, die, abweichend von jenen Verhaltens- und Denkstandards, die unbewusst oder aufgrund einer gewissen Passivität assimiliert wurden, zu einem fortschreitenden Bewusstsein des eigenen Willens führen.

'Lure'. MadArt Studio, South Lake Union, Seattle. Dream The Combine. Foto von Claylon Hackwith/Courtesy of Dream The Combine.

Selbst wenn sie nicht auf die Komplizenschaft des Spiegels zurückgreifen, finden sie andere Strategien, die in der Lage sind, Neugierde zu wecken und Erkundungen bei denjenigen hervorzurufen, die durch das Erleben ihrer Arbeit zu aktiven Teilnehmern werden. Die Absicht bleibt unverändert, und mit Entschlossenheit tun sie ihr Bestes, um ein wirkliches Bewusstsein zu schaffen, die Inflexibilität einiger Positionen auszumerzen, falsche Gewissheiten zu knacken und zu brechen. Der Dialog wird etabliert, indem das Publikum durch einen möglichst unwiderstehlichen Ruf, eine Art ‘Sirenengesang’, angelockt wird. Wie sie selbst mahnen “sich auf die Komplexität von Erzählung, Bild, Raum und direkter Erfahrung einzulassen, verwenden sie die Sprachen des Kinos und der theatralischen Szenografieund haben mit einem ebenso krassen wie katalysierenden Mittel ‘Lure’ ins Leben gerufen. Der Titel der Intervention verweist auf die grundlegende Zutat, die den Kontakt auslösen kann und in der Folge zu einer lebendigen Erfahrung führt, die speziell darauf ausgelegt ist, die Trennung zwischen öffentlich und privat aufzubrechen. Ein Bauschuttnetz, das normalerweise für Renovierungsarbeiten verwendet wird, mit der Zeichnungskraft eines leuchtenden, hellen Blaus und dem Einsatz von Vollbildfarbe, ‘chroma keying’ eine Technik, die in der Postproduktion verwendet wird, um den Vordergrund hervorzuheben, umhüllt die Fassade einer Kunstgalerie mit Blick auf die Main Street in South Lake Union, Seattle. Das Netz signalisiert wie eine laufende Baustelle, dass sich im MadArt Studio etwas tut, und erregt die Aufmerksamkeit der Passanten, denen die stattfindenden Ausstellungen normalerweise gleichgültig sind, indem es sie ermutigt, einer vorgegebenen Route zu folgen, die, markiert durch den gleichen hellen Farbton, ins Innere des Gebäudes führt. Eine Reihe von Gängen, umhüllt von einem identischen Netz in intensivem elektrischem Blau, Zickzack-Korridore, fragmentierte und sich überschneidende Passagen mäandern und bilden die labyrinthischen Wege eines gigantischen Eisenkomplexes, der, gestützt von Zugstangen, in der Leere zu schweben scheint. Die Struktur-Skulptur, eine Art ‘blauer geometrischer Tunnel’ mit spitzen Winkeln, definiert als ein Kreislaufsystem in einem kontinuierlichen Zyklus”, verwirrt und zwingt dazu, sich vorwärts zu bewegen, indem man auf die eigenen Schritte achtet. Und paradoxerweise bietet die Falle, durch die man sich destabilisiert fühlten, die Möglichkeit, sich auf sich selbst zu konzentrieren und eigenständig Entscheidungen zu treffen. Der Kreislauf nimmt einen starken metaphorischen Wert an, er ist, wie die Autoren verraten, “eine Herausforderung an unsere automatischen Weisen, sich in der Welt zu bewegen”.  

Jennifer Newsom und Tom Carruthers, die Schöpfer von ‘Lure’, Partner in der Arbeit und im Leben, präsentieren sich auf eine Art und Weise, die sehr originell klingt, sicherlich weit entfernt vom konventionellen Kanon. Mit einer Erklärung der Offenheit ohne Ausschlüsse für jede mögliche Form der Kontamination und Zusammenarbeit haben sie sich für den Namen ihres Studios entschieden, ‘Dream the Combine’. Der Ausdruck dient als Name und wird zu einer Art Manifest ihrer Bestrebungen in einem ziemlich entscheidenden Moment ihres neuen gemeinsamen Lebens, wenn sie, nachdem sie New York verlassen haben, ihre Praxis gründen und vor wichtigen Entscheidungen stehen werden. Sie senden eine Botschaft aus, die von einer idealen Kombination ihrer Potentiale und vor allem ihrer Träume spricht, eine Note, die die Arbeit eines jeden Architekten und Künstlers immer kennzeichnen sollte.

‘Hide & Seek’. YAP MoMA PS1, 2018, Long Island City, New York. Dream The Combine. Foto von Pablo Enriquez/Courtesy of Dream The Combine.

Ihre kreativen Talente wurden durch einen ausgesprochen bedeutsamen Sieg für junge Menschen, die dabei sind, eine eigene Karriere zu starten, unterstrichen, als eine ihrer großformatigen, ortsspezifischen experimentellen Installationen, die als Synthese von Kunst, Architektur und kulturellen Fragen konzipiert sind, die 2018er Ausgabe des Young Architects Program MoMA PS1 gewann. ‘Hide & Seek’, die gewinnende Struktur, bietet sich an, sich mit den unbeschwerten Tönen eines Kinderspiels durch den Hof des Museum of Modern Art zu schlängeln, als eine hochgradig interaktive Präsenz für die Sommerabendkonzerte und Veranstaltungen der jährlichen Warm Up Summer Music Series. Neun Elemente, gestützt von einem Eisenprofil, in einer Abfolge ohne Unterbrechung der Kontinuität, konfigurieren Wege, suggerieren Ideen für Unterhaltung und Pausen, Gelegenheiten zum Gehen, Sitzen, Gruppieren oder sich isolieren. Plattformen und Stege verlaufen auf verschiedenen Ebenen, eine nach der anderen, verbinden Momente der Begegnung und wechseln sich mit einem großen Metallnetz ab, das als Hängematte dient, auf der man springen oder sich hinlegen kann, um die Sterne zu beobachten. Die Installation scheint die formale Eleganz eines skulpturalen Apparats zu haben, dessen statische Starrheit durch die dynamische Fluidität der vorgeschlagenen Situationen, die von der Spontaneität des Zufalls geprägt sind, widerlegt wird. Die Idee, einen Zustand der Veränderlichkeit zu erleben, der nicht vorherbestimmt, sondern zufällig ist, wird durch die riesigen, nach innen hängenden Spiegel unterstrichen, die, dem Wind und den Berührungen der Besucher überlassen, die reflektierten Szenen ständig erneuern. Ihre Position wurde strategisch durchdacht mit dem Ziel, die Illusion des Raumes über die Museumsmauern hinaus auszudehnen, die umliegenden Straßen zu erreichen und unerwartete Verbindungen zu ermöglichen, die die benachbarte Nachbarschaft gespiegelt sehen werden, belebt von der unterschiedlichsten Gemeinschaft, ohne Diskriminierung oder Ausgrenzung jeglicher Art.

Diese Manipulation, die in der Lage ist, die physischen Grenzen zu erweitern und die Barrieren zwischen öffentlich und privat niederzureißen, entspricht dem Bestreben, den städtischen Kontext zu aktivieren, indem ein größeres und vielfältigeres Gebiet und ein ebenso heterogenes Publikum mit der Großzügigkeit einbezogen wird, die der architektonischen Geste eigen sein sollte. Die Intervention ist ein provokanter Vorschlag, der nicht nur im spezifischen Fall von Long Island City, sondern allgemeiner für die amerikanische Stadt und die Stadt der Welt zu betrachten ist. Das MoMA und sein ummauerter Innenhof werden zu einer Gelegenheit, die Notwendigkeit von Veränderung und Teilnahme an Kunst ohne Grenzen zu demonstrieren. Die Inschrift ”You are here”, die an einem der höchsten und sichtbarsten Punkte angebracht ist und sich an diejenigen richtet, die nicht eintreten werden, aber in die Lage versetzt werden, in gewissem Sinne an der Veranstaltung teilzuhaben, fasst die Notwendigkeit zusammen, Konventionen und Starrheiten zu überschreiten und zu brechen, die die Ursache für Ausgrenzung sind. Die Botschaft erinnert an “Art Is…, eine Performance, die Lorraine O’Grady, eine Künstlerin, die jeder kennen sollte, als Antwort auf die Behauptung eines Freundes machte, Avantgarde-Kunst habe nichts mit People of Colour zu tun. Ein Parade-Wagen mit 15 afroamerikanischen und Latino-Darstellern, alle in Weiß gekleidet, wurde 1983 für die jährliche African American Day Parade in Harlem arrangiert. Im Einklang mit der insgesamt äußerst spielerischen Atmosphäre gingen und tanzten die Tänzer mit leeren goldenen Rahmen durch die Menge und forderten unter Rufen wie “Frame me, make me art” die Zuschauer, meist afroamerikanischer Abstammung, auf, sich im Rahmen fotografieren zu lassen, als Subjekte, die einer künstlerischen Dokumentation würdig sind. Die Aufnahmen wurden gesammelt und gaben anschließend Anlass zur Ausstellung “Art Is…
 
O’Grady hatte durch die erfolgreiche Einführung von Avantgarde-Kunst in den größten und überfülltesten farbigen Festumzug, den man sich vorstellen kann, nicht nur seinem Freund das Gegenteil bewiesen, sondern auch das Scheinwerferlicht auf ein ernsthaftes Versäumnis gelenkt, nämlich auf Fragen der rassischen Ausgrenzung und Unterrepräsentation. Die Aufmerksamkeit von der Parade wurde auf die Zuschauer gelenkt, die zu den eigentlichen Protagonisten wurden: “der Rahmen, in der Arbeit, wird somit Methode, Inhalt und Metapher’.  ‘Gerahmt zu sein’ bedeutet idiomatisch, als künstlerisches Subjekt wahrgenommen zu werden, auch ohne es zu wollen, so wie eine spiegelnde Oberfläche zur Metapher für eine Öffnung, für eine Schwelle, eine ‘Passage’ werden kann, die den Zugang zu einer Welt ermöglicht, die nicht immer allen gehört.
  ‘Hide & Seek’. YAP MoMA PS1, 2018, Long Island City, New York. Dream The Combine. Foto von Brandon Polance/Courtesy of Dream The Combine.

In ‘Hide & Seek’ bietet sich der Spiegel als weiterer Erfahrungsumstand an, ein Reiz, der durch die Gesten des Körpers zum Ausdruck kommt. Die spiegelnden Oberflächen werden als Elemente der szenischen Ergänzung, als Hilfe zur Improvisation und für unerwartete Auftritte integriert. Die Bewegungen, die Haltungen entstehen aus einer Art reaktivem Kontakt, der mit dem Kontext des Augenblicks hergestellt wird, genau wie jene Manifestationen, die der goldene Rahmen von O’Grady mit der Straße herzustellen vermochte. Das Publikum wird zum Protagonisten und seiner künstlerischen Kreativität wird die Leitung der Aufführung anvertraut.
 
Spiegel dringen oft in verlassene Bereiche ein und schaffen Installationen, die durch die magnetische Kraft der räumlichen Rätsel, die sie suggerieren, faszinieren. Sie erwecken Szenen zum Leben, die verzaubern und schaffen es, einen untrennbaren und rational unerklärlichen Dualismus zu synthetisieren. Parallelwelten, zwischen denen eine sehr dünne Linie verläuft, praktisch unbeschreiblich, ein bisschen wie die, die die sichtbare von der intelligiblen Welt trennt, die Platon durch eine bekannte Allegorie zu erklären versucht. Im Mythos der Höhle sieht der Mensch Schatten und glaubt, dass sie eine reale Präsenz sind. Eine Gruppe von Gefangenen ist seit ihrer Geburt angekettet und blickt ihr ganzes Leben lang auf die weiße Wand einer Höhle, und das, was hinter ihrem Rücken vor einem Feuer vorbeizieht, jenseits einer niedrigen Mauer entlang der Straße transportiert wird, sich auf die Wand projiziert, erscheint ihnen als Realität, auch wenn es nichts anderes ist als die Formen verschiedener Gegenstände, Tiere, Pflanzen und Menschen. Würde einer von ihnen befreit und gezwungen, in die entgegengesetzte Richtung, zur Öffnung der Höhle, zu blicken, so würde er, so Platons Hypothese, zunächst vom Sonnenlicht geblendet werden und dann, selbst wenn man ihm diese leblosen Objekte zeigen würde, immer noch zweifeln und es wahrscheinlich vorziehen, sich beruhigt zu fühlen und weiterhin an die Schatten zu glauben. Er würde Zeit brauchen, und sobald er die Situation verstanden hätte, würde er sicherlich loslassen wollen und seine Gefährten dazu bringen, mitzumachen, aber es wäre in der Tat ein sehr problematischer Versuch, denn es ist nicht leicht, einen neuen Zustand zu akzeptieren, der einem Unbehagen bereitet und der Überzeugungen untergräbt, die man für unumstößliche Wahrheiten gehalten hat.

Auch wenn die Zeit sehr weit weg ist, taucht das Thema des Kulturrelativismus mit der Wucht des aktuellen Problems wieder auf, mit verunglimpfenden Tönen für diejenigen, die Schatten benutzen, um die Realität zu verschleiern, und diejenigen, die oft nicht über die beruhigenden Schatten hinaussehen wollen. In unserem Jahrhundert könnte der Mythos der Höhle als Metapher für die Einmischung und den Einfluss der Massenmedien gedeutet werden, für diejenigen, die wirtschaftliche und politische Macht über die öffentliche Meinung haben und die ein Interesse daran haben, die Wahrheit zu verdunkeln, indem sie die Nachrichten oft zu ihrem eigenen Vorteil umgestalten. Künstler aus den unterschiedlichsten Bereichen, vom Kino über die Literatur bis hin zu den bildenden und darstellenden Künsten, haben bei vielen Gelegenheiten einen Beitrag geleistet, um der Menschheit auf dem mühsamen Weg zu Bewusstsein und autonomer Entscheidungsfindung zu helfen.
 
Jennifer und Tom engagieren sich auch leidenschaftlich in diesem Bemühen, uns von Formen der Passivität zu befreien, die das Verantwortungsbewusstsein, das jeder von uns zeigen sollte, trüben, und mögliche Formen der Umerziehung zu finden, die das Experimentieren und das Dilemma zu ihren wirksamsten Mitteln machen. Gerade in Momenten der Krise, der starken Ratlosigkeit, die oft an Verwirrung grenzt, reifen Antworten heran, die nicht von gängigen Glaubenssätzen und Praktiken diktiert werden, sondern von ethischen und moralischen Bedürfnissen, die aufrichtig und objektiv bewertet werden.

‘Longing’. Twin Cities, Minnieapolis. Dream The Combine. Foto von Clayton Hackwith/Courtesy of Dream The Combine.

Es gibt eine weitere Installation, die nicht nur zur gleichen Sache beiträgt, sondern uns auch mit einem Thema von vitaler Relevanz und Interesse konfrontiert. ‘Longing’, "ein emotionaler Ausdruck und ein verbales Spiel über Dehnung", in den Worten seiner beiden Schöpfer, ist mit einer sehr kuriosen und wichtigen Geschichte aus der Sicht des architektonischen Recyclings verbunden. Eine Designfirma aus Twin Cities hatte vor einigen Jahren eine Geldsumme für den Transport und die anschließende Wiederverwendung eines 84 Fuß langen Abschnitts versprochen, der Teil des Fußgänger-Infrastruktursystems ist, das zwei Gebäude in der Innenstadt von Minneapolis verbindet. Jennifer und Tom beschlossen, dem Segment neues Leben einzuhauchen. Zwei bewegliche kardanische Spiegel gleicher Größe wurden innen, einander zugewandt, an beiden Enden des Skyway-Fragments angebracht. Indem er Druck auf ein Gegengewicht im hinteren Teil der Platten ausübte, war jeder in der Lage, Veränderungen an der inneren Struktur vorzunehmen, die bizarre Verzerrungen und Verformungen sowie unvorhersehbare Stöße verursachten und einem dem Untergang geweihten Eisensegment, das einen verbindenden Moment von intensivem Durchgang und Bewegung dargestellt hatte, motorische Aktivität einhauchten. Die Gegenüberstellung der beiden spiegelnden Oberflächen erzeugte einen Effekt von außergewöhnlicher Tiefe in verschiedenen Richtungen, die buchstäblich in dieser visuellen Magie verschlungen wurden.

Es präsentierte sich als eine surreale Schwelle, eine Einladung zu einer Reise ins Unendliche. Und die Geschichte der Wiedergeburt endete nicht mit dieser anregenden Intervention, sondern mit der unerwarteten Anfrage einer Fotografin, die sich am Ende der Ausstellung, die anlässlich der Installation eingerichtet wurde, in die 140 Tonnen Eisen verliebte und fragte, ob sie diesen langen Quader am Ufer des Lake Superior, eine dreistündige Autofahrt von der Stadt entfernt, als minimales, aber ganz besonderes Zuhause für ihre junge Familie aufstellen könne. CityDeskStudio, das das Stück ursprünglich gekauft und den Vorschlag zu seiner Rettung lanciert hatte, indem es das’unfaire Ende des Abrisses nicht akzeptierte, teilt die Anerkennung mit Jennifer und Tom für das intelligente Management dieser Wiedergeburt. Dieses Beispiel sollte Mechanismen der Veränderung in der Betrachtung bestimmter architektonischer Überreste auslösen, um sie nicht als starre Monolithen in die unveränderliche Permanenz einer eindeutigen Funktionalität zu verbannen. Und ich hoffe, dass die Wahrnehmungsunsicherheiten, die Jennifer und Tom mit ihren kühnen, unkonventionellen Installationen zu stimulieren wissen, auch die weit verbreitete Tendenz erschüttern werden, die die Originalität, die paradoxerweise jeder gerne hätte, in dieser Zeit, die leider den Mainstream zur dominierenden Strömung macht, kontaminiert und verflacht.


Virginia Cucchi

Credits:
Dream the Combine : http://www.dreamthecombine.com/

Cover: ‘Hide & Seek’. YAP MoMA PS1, 2018, Long Island City, New York. Dream The Combine. Photo by Pablo Enriquez/Courtesy of Dream The Combine.
01-02: 'Lure'. MadArt Studio, South Lake Union, Seattle. Dream The Combine. Photo by James Harnois/Courtesy of Dream The Combine.
03-04: 'Lure'. MadArt Studio, South Lake Union, Seattle. Dream The Combine. Photo by Claylon Hackwith/Courtesy of Dream The Combine.
05-06:‘Hide & Seek’. YAP MoMA PS1, 2018, Long Island City, New York. Dream The Combine. Photo by Pablo Enriquez /Courtesy of Dream The Combine.
07:‘Hide & Seek’. YAP MoMA PS1, 2018, Long Island City, New York. Dream The Combine. Photo by Brandon Polance/Courtesy of Dream The Combine.
08: ‘Hide & Seek’. YAP MoMA PS1, 2018, Long Island City, New York. Dream The Combine. Photo by Ryan Muir/Courtesy of Dream The Combine.
09: 'Longing’. Twin Cities, Minnieapolis. Dream The Combine. Photo by Clayton Hackwith/Courtesy of Dream The Combine.
10: 'Longing’. Twin Cities, Minnieapolis. Dream The Combine. Photo by Andrew Latrielle/Courtesy of Dream The Combine.
11: 'Clearing'. Dream The Combine. Photo by Claylon Hackwith/Courtesy of Dream The Combine.


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